Patrice Pavis - Diccionario del Teatro - 2da. Entrega

Diccionario del Teatro
Patrice Pavis

Cliché:
Repetición verbal que ha modo de tic puede realizar un personaje.
Clímax:
Punto culminante la acción dramática.
Comedia(1):
Del griego komedia que a su vez deriva de Komos. El Komos era el desfile y la canción ritual en honor a Dionisos. Dice Aristóteles: "Tanto la tragedia como la comedia fueron en un principio improvisaciones: la primera, de los que entonaban el ditirambo; la segunda, de los que entonaban los coros fálicos..." La comedia en efecto tuvo su origen en las fiestas religiosas que, en ocasión de la vendimia, se celebraban en honor de Dionisos. En ellas se realizaban procesiones o paseos burlescos de los vendimiadores disfrazados, quienes llevaban en triunfo el falo, símbolo de la generación y de la fuerza productiva de la naturaleza. En estas procesiones se entonaban cantos fálicos caracterizados por la parresía (libertad de lenguaje), que habría de dar su sello a la comdia antigua. Esta comitiva de enmascarados, Komos o Faloforia divertía con improvisadas y procaces burlas, generalmente personalizadas, al público que la acompañaba. Se ignora todo acerca de la evolución que transformó este desfile en la comedia, tal cual la conocemos a través de Aritófanes. A partir del siglo VI antes de Cristo toma una forma precisa similar a la tragedia. Tradicionalmente se la ha definido por tres criterios: los personajes son de condición simple, el desenlace es feliz y busca provocar la risa del espectador. Para Aristóteles la comedia, por ser "una imitación de hombres de calidad moral inferior", no se nutre de fondo histórico o mitológico. Se consagra a la realidad cotidiana y prosaica de la gente simple de ahí su facultad de adpatación a todas las sociedades, la diversidad infinita de sus manifestaciones y la dificultad de desarrollar una teoría única. Su desenlace, no deja desencantados, cadáveres o víctimas, sino que casi siempre desemboca en un final optimista (matrimonio, reconciliación, reconocimiento). La risa del espectador a veces es de complicidad y otras de superioridad. La comedia vive de la idea repentina, de los cambios de ritmo, del azar y de la inventiva dramática y escénica.
Comedia(2):
Género dramático español que se desarrolla a partir del siglo XV. La comedia se compone normalmente de tres actos. La temática gira en torno a problemas de amor, de honor, de fidelidad conyugal y de política. Fuera de los géneros tradicionales de la comedia distinguimos: -la comedia de capa y espada: muestra conflictos de nobles y caballeros, -la comedia de carácter: en donde se pintan personajes típicos, -la comedia de enredo: de trama complicada e ingeniosa, la comedia de figurón: da una imagen caricaturesca de la sociedad y/o de miembros tipificados de ella.
Comedia (alta y baja):
Distinción según la cualidad de los procedimientos cómicos. La comedia baja utiliza procedimientos de la farsa, de lo cómico visual (gag, slapstick humuor, palizas), mientras que la alta o gran comedia utiliza sutilezas de lenguaje, alusiones, juegos de palabras y situaciones "intelectualmente agudas". La Comedy of Humours, cuyo origen se atribuye a Ben Johnson, autor de Every Man is his Humour, es el prototipo de la alta comedia encargada de ilustrar los diferentes sentidos de humor de la naturaleza humana.
Comedia antigua-comedia nueva:
La comedia antigua es la de Aristófanes (siglo V antes de Cristo). Derivada de los ritos de fertilidad en honor a Dionisos, es a menudo violenta, obscena y grotesca. El coro jugaba un rol dramático esencial. Con Meandro (siglo IV antes de Cristo) aparece la comedia nueva: ésta describe la vida doméstica, recurre a situaciones y caracteres estereotipados. Es la precursora de la comedia de caracteres y de costumbres.
Comedia ballet:
Comedia que hace intervenir el ballet en el curso de la acción o como intermedio autónomo entre las escenas y los actos. Se tiende a concebir el ballet no como un elemento segundo sino secundario, como intermedio decorativo, permaneciendo el texto de la comedia como elemento primero. Pero ciertos ballets contienen algunos elementos dramáticos dialogados y actuados. El dramaturgo a veces escoge, como Moliere en Los enfadosos, vincular el ballet a la intriga: "Para no romper el hilo de la obra por estas formas de intermedios, hemos creído pertinente coserlos al asunto lo mejor posible, y hacer una sola cosa del ballet y la comedia"(Prefacio). La comedia ballet se construye comúnmente en una sucesión de entradas de ballet, pasajes bailados que forman una serie ininterrumpida de escenas sucesivas, según el principio de la comedia de folla.
Comedia burguesa:
Obra cuya temática y personajes pertenencen a la clase burguesa, que en el siglo XVIII hace su aparición en la escena teatral y social.
Comedia de carácter:
Obra cuyos personajes son caracteres, es decir, tipos de hombres definidos por uno o varios rasgos psicológicos y morales dominantes que simbolizan un aspecto de la naturaleza humana o una condición social (ej.:El avaro, El misántropo, de Moliere). La exageración de estos rasgos provee el material para una crítica del medio social (Juan Ruiz de Alarcón, Los pechos privilegiados).
Comedia de costumbres:
Estudio del comportamiento del hombre en la sociedad, de las diferencias de clase, medio y carácter (ej.: Inglaterra, siglos XVII y XVIII, Congreve, Sheridan; también se pueden nombrar Moliere y Lope de Vega).
Comedia heroica:
La comedia heroica, género intermedio entre la tragedia y la comedia, confronta personajes de alto rango y tiene un desenlace feliz, puesto que "no vemos nacer ningún peligro que nos pueda conducir a sentir piedad o temor" y porque todos los actores son reyes o grandes de España (Corneille). Originaria de España (Lope de Vega), pasa a Francia con Rotrou y Corneille y a Inglaterra con Dryden (La conquista de Granada, 1669). La tragedia se hace heroica cuando lo sagrado y lo trágico ceden su lugar a la psicología y a un compromiso burgués. De este modo, Le Cid de Corneille se esfuerza por conciliar la psicología, el individualismo y la razón de Estado. Lo heroico, en la comedia o en la tragedia, se manifiesta por un tono y un estilo muy elevados, por acciones nobles, por una serie de conflictos violentos (guerras, raptos, usurpaciones), por lugares y personajes exóticos, por un asunto ilustre y héroes admirables. Lo heroico-cómico es una parodia de tono heroico, una descripción en términos prosaicos de acciones nobles y serias. Se aproxima mucho al burlesco o grotesco.
Comedia de folla:
Serie de sketches que tratan un mismo tema o un mismo tipo de personaje o acción (ej.: Les Fâcheux, de Moliere, que presenta una galería de retratos del inoportuno).
Comedia de humores:
La "comedy of humours" se constituye en la época de Shakespeare y de Ben Johson (Every Man Out of His Humour, 1599). La teoría del humor, que se basa en la concepción médica de los cuatro humores que rigen la conducta humana, apunta a la creación de personajes-tipo determinados psicológicamente y que actúan en función de un humor, manteniendo un comportamiento idéntico en todas las situaciones. Este género se aproxima a la comedia de caracteres, la cual diversificará los criterios de comportamiento extendiéndolos a rasgos sociales, económicos y morales.
Comedia de ideas:
Obra donde se debaten humorísticamente sistemas de ideas y filosofías de la vida (ej.: B. Shaw, J. Giraudoux, J. P. Sartre).
Comedia de intriga:
Se opone a la comedia de caracteres. Los personajes son esbozados de forma aproximada y los múltiples resurgimientos de la acción dan la ilusión de un movimiento continuo (ej.: Las Trapacerías de Scapin, El Mercader de Venecia).
Comedia de magia:
Se basa en efectos mágicos, maravillosos y espectaculares, haciendo intervenir a personajes imaginarios dotados de poderes sobrenaturales (hadas, demonios, elementos naturales, criaturas mitológicas, etc.). La comedia de magia toma diversas formas: ópera, ballets, pantomima u obra de intriga fantástica (Sueño de Una Noche de Verano, de Shakespeare), utilizando todos los medios visuales imaginables (vestuarios, iluminación, fuegos artificiales, ballets acuáticos). Es popular en el barroco, siglo XVII (puestas en escena de Torelli, dramatización de cuentos de magia de Perrault, creación de Andrómeda y del Vellocino de Oro de Corneille, de Psique de Moliere).
Comedia negra:
Género próximo al tragicómico. De comedia, la obra sólo tiene el nombre. La visión es pesimista y desilusionada, incluso sin el recurso a una solución trágica. Los valores son negados y la obra sólo termina "bien" por un giro irónico (ej.: El Mercader de Venecia, Medida por Medida, las Obras Negras de Anouilh, La Visita de la Vieja Dama de Dürrenmatt).
Comedia pastoral:
Obra que alaba la vida de los pastores tomados como prototipos de uan existencia inocente, utópica y nostálgica de los buenos tiempos pasados. Surge particularmente en los siglos XVI y XVII (ej.: Las Pastorales de Racan, 1625, La Dorotea de Lope de Vega).
Comedia de salón:
Obra que a menudo muestra a los personajes discutiendo en un salón burgués. Lo cómico es únicamente verbal, muy sutil y buscando la palabra correcta. La acción se limita a un intercambio de ideas, argumentos o sutilezas formuladas de forma agradable (ej.: Tres Hermanas, de Chejov; Maugham; Schnitzler).
Comedia satírica:
Obra que enfatiza y critica una práctica social o política o un vicio humano (ej.: Tartufo, El Avaro).
Comedia sentimental:
La comedia sentimental busca enternecer al público por todos los medios y educarlo moralmente a través de lo patético, la ternura y el elogio de la virtud. Surge a comienzos del siglo XVIII con Detouches, Nivelle de la Chaussee, Delisle e incluso Marivaux (La Madre Confidente). También lleva el nombre de "comedia moralizante", cuyo objetivo es "corregir las costumbres, atacar el ridículo y describir el vicio" (Detouches). Esta comedia desemboca en el drama burgués (Diderot, Sedaine, Beaumarchais) y en el melodrama (siglo XIX).
Comedia de situaciones:
Obra que se caracteriza por el ritmo rápido de la acción y el embrollo de la intriga, más que por la profundidad de los caracteres esbozados. Como en la comedia de intriga pasamos sin cesar de una situación a otra. Sus mecanismos favoritos son: la sorpresa, el quidproquo y el golpe de efecto (ej.: Comedia de las Equivocaciones, de Shakespeare, La Verdad Sospechosa de Juan Ruiz de Alarcón).
Cómico:
Lo cómico no se limita al género de la comedia; es un fenómeno que podemos comprender desde distintos ángulos o campos. Como fenómeno antropológico, responde al instinto del juego, al gusto del hombre por la broma y la risa, a su facultad de percibir aspectos insólitos y ridículos de la realidad física y social. Como arma social, ofrece al ironista los medios para criticar su entorno, para ocultar su oposición a través del ingenio o de una farsa grotesca. Como género dramático, centra la acción en torno a conflictos y peripecias que testimonian la inventiva y el optimismo humanos ante la adversidad. Se pueden distinguir algunas formas de lo cómico, sin la intención de agotarlas: 1-Cómico y risible: Existe lo cómico en la realidad (risible) y lo cómico en el arte. La risa espontánea en situaciones reales es una risa en bruto, de simple rechazo o autodefensa. Sólo es verdaderamente cómico lo que es revestido por la inventiva humana y lo que responde a una intención estética. 2-Cómico significativo y cómico absoluto: Baudelaire distingue lo cómico significativo de lo cómico absoluto. En el primer tipo nos reímos de algo o de alguien; en el segundo nos reímos con alguien: la risa comprende todo el cuerpo, las funciones vitales y lo grotesco de la existencia. Este tipo de comicidad arrasa con todo y no deja espacio a ningún valor político o moral. 3-Risa de aceptación y de exclusión: La necesaria solidaridad entre los que ríen tiene como consecuencia el rechazar como ridícula a la persona cómica, o bien el invitar a sumarse a los que ríen en un movimiento unánime de fraternidad humana. 4-Comicidad, ironía, humor: El humor es el procedimiento favorito de los dramaturgos. El humor se nutre de lo cómico y de la ironía pero posee su propia tonalidad. Mientras la ironía y la sátira dan a menudo una impresión de frialdad e intelectualidad, el humor es más caluroso, no vacila en mofarse de sí mismo e ironizar sobre el ironista. Busca los aspectos filosóficos ocultos de la existencia y permite mostrar la riqueza y actitud interior del humorista. También dentro del teatro y de la dramaturgia se pueden distinguir procedimientos de lo cómico: 1-Comicidad de situación: La risa provocada por una situación particularmente desacostumbrada y graciosa, o simplemente por el discurso y el comportamiento de un tipo de personaje. 2-Comicidad de palabras: Juegos de palabras, repeticiones, ambigüedades, invenciones verbales. 3-Comicidad de costumbres (de carácter): El personaje tiene numerosos defectos cuya acumulación produce el efecto de una caricatura o de una parodia.
Commedia dell´ Arte:
Se llamó primeramente commedia all improviso, commedia a saggeto, commedia di zanni, o en Franciay otros países, Comedia Italiana. Es solamente en el siglo XVIII cuando esta forma teatral, que existe desde mediados del siglo XVI, toma el nombre de Commedi dell´Arte. Consiste a la vez en el arte, la competencia, la técnica y el aspecto profesional de los actores. La Commedia dell´Arte se caracteriza por una creación colectiva de actores que elaboran un espectáculo, improvisando gestual y verbalmente a partir de un boceto no escrito de antemano por un autor y siempre muy breve (indicaciones de entradas y salidas y sobre las grandes articulaciones de la fábula). Los artistas se inspiran en un asunto dramáico, tomado de la comedia (antigua o moderna) o inventando. El esquema rector del actor (el guión) se obtiene tomando en cuenta el lazzi (indicaciones sobre la interpretación de escenas cómicas) característico de su rol, y la reacción del público. Los actores agrupados en compañías homogéneas, recorrían europa actuando en salas arrendadas, en plazas públicas o para un príncipe que los contrataba. Mantenían una gran tradición familiar y gremial. Representaban una docena de tipos fijos, los cuales se dividían a su vez en dos "partes". La parte seria comprende las dos parejas de enamorados. La parte ridícula consiste en ancianos cómicos (Pantalone y Dattore), el Capitano (producto del miles gloriousus de Plauto), los criados o Zani: éstos de nombres muy diversos (Arlecchino, Scaramucia. Pulcinella, Mezzottino, Scapini, Coviello, Truffaldino) se distribuyen en el primer Zani (criado astuto y espiritual que conduce la intriga) o en el segundo Zani (personaje ingenuo e inculto). En la parte ridícula siempre llevaban máscaras grotescas y estás máscaras (Maschere) servían para designar al actor por medio del nombre de su personaje. En este teatro de actor (y de actriz, lo cual era una novedad para la época), el énfasis se ponía en la destreza corporal, en el arte de reemplazar largos discursos por algunos signos gestuales y de organizar la representación en función del grupo.
Complicación:
Momento de la obra (esencialmente en al dramaturgia clásica) en que el conflicto se intrinca y la tensión dramática se hace cada vez más mayor. La acción no posee ninguna tendencia a simplificarse (resolución o caída final), se complica en nuevas peripecias y el héroe poco a poco ve cerrarse ante sí las puertas de salida. Cada episodio hace más intrincada su situación, hasta el conflicto abierto o hasta la catástrofe final.
Composición:
Características psicológicas, físicas y sociales que conforman un personaje. Por ende se entiende también por composición al trabajo que realiza el actor para darle identidad a su personaje.
Contraste:
Creación de explícitas diferencias en la iluminación de objetos o áreas.

Distancia:
Actitud del público de teatro cuando el espectáculo le parece ajeno, de manera que no se siente implicado emocionalmente y no olvida en ningún momento que se encuentra frente a una ficción. Por extensión, facultad de utilizar su juicio crítico, de resistir la ilusión teatral y de detectar los procedimientos de la representación.
Distanciación:
Procedimiento para distanciar la representación de manera que el objeto representado aparezca bajo una nueva perspectiva que revele un aspecto oculto o inadvertido por demasiado familiar. Como principio estético vale para todo el lenguaje artístico. Aplicado al teatro, concierne a las técnicas desilusionantes que no mantienen la impresión de realidad escénica y revelan el artificio de la construcción dramática y del personaje. Brecht, en su deseo de modificar la actitud del espectador y activar su percepción, opina que "una imagen distanciadora es aquella en la que se reconoce el objeto, pero se lo ve extraño" "El efecto de distanciación transforma la actitud aprobatoria del espectador, basada en la identificación, en una actitud crítica". La distanciación brechtiana no es solamente un principio estético, sino también político que permite la desalienación ideológica del espectador.

Drama:
(Del griego drama, acción. Esta palabra procede del dórico drân, que corresponde a la palabra ática prattein, actuar.) En un sentido general el drama es el género literario compuesto para el teatro, aunque el texto no sea representado. En un sentido específico drama se refiere a un género particular de obra de teatro surgido en el siglo XVIII, el cual se presenta como síntesis (o "intermediaria" o "derivado") de la comedia y de la tragedia. La acción patética no excluye los elementos cómicos, realistas o grotescos.
Drama lírico:
1- A menudo sinónimo de ópera y de ópera-cómica, o sea, de teatro cantado. 2-En oposición al género dramático, el drama lírico se caracteriza por la ausencia de acción y de movimiento en favor de una profundización en la cualidad poética y estática del texto que vale por sí mismo. Ciertos diálogos se denominan líricos cuando es secundario saber quién los ha proferido y en que situación.
Drama litúrgico:
Surge en Francia y en España, entre el siglo X y el siglo XII. En el transcurso de la misa los fieles intervenían en el canto y en la dicción de los salmos y comentarios de la Biblia (ciclo de pascua en torno a los temas de la Resurrección, de la Navidad en torno a la Natividad). Gradualmente se le añaden escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento y no se recurre ya al latín, sino al francés y al español (drama semilitúrgico), para los sainetes representados en el atrio de la iglesia.